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Down in Albern

Tue, 23 Feb 2010 18:34:32 +0100

"Es ist dies mein zweites Album. Es ist das erste welches ich unten in Albern aufgenommen habe. Deshalb nenne ich es "Down in Albern".
So gelesen im Booklet der ersten CD aus dem kleinen Package, das mir Problembär Records, ein kleines Label aus Wien, zukommen hat lassen. Was ich übrigens sehr nett gefunden habe.
Weiters: Sir Tralala geigt hier auf, pauTi van pauTipauT basst und klarinettet - der Verdacht liegt nah, dass man es hier mit dem heurigen FM4-Protestsongcontestgewinner pauT (Sepp haT gesagT, wir müssen alles anzünden) zu tun hat. Soweit so gut!
Ich recherchiere also weiter. Durchforstet man die Problembär-Homepage, sieht man, dass das Label offensichtlich sehr viel auf seinen Nino gibt - richtig träumerische Sätze liest man da! Man liest auch: "Aufgenommen wurde im Schnellverfahren; windschiefe Momente absichtlich nicht nachträglich begradigt; der Moment zählt!"

Das merkt man. Und das trägt auch viel zum Album bei - es ist praktisch ein Rohbau, dem man gar keinen Puder mehr ins Gesicht stauben mag. Aber recht viele Facetten hat er trotzdem, der Rohbau, auch ohne Hochglanzpolitur - Sir Tralalas Geige versüßt einem Down in Albern ganz und gar, auch auf Die Lieder trifft das zu. Dann hört man Orgeln, Klarinetten, Saxophone, Trompeten und sogar eine Ukulele - großteils hört man aber Nino mit seiner verkühlten Gitarre. Und auch textlich bzw. stimmungsmäßig gibts da sehr viel. Ein großartiger Start ist Zimmer zu vermieten zwar nicht, aber Weit weit weg klingt dann doch so schön verträumt, dass man alles vorher vergisst, und aus irgendeinem Grund erinnert es mich an Taximusik. Ich weiß nicht, sag du setzt die Träumereien fort, auch wenn Ninos Aussprache irgendwie etwas ins Französische abzuschweifen scheint.
Aber genug davon. Schließlich freut sich der Nino gerade irrsinnig über freie Tage im Sommer und tut das in Holidays der Welt kund. Kennt man vielleicht aus aufmerksamer FM4-Hörer, war ja immerhin Ninos erste Singleauskopplung von Down in Albern. So ganz nebenbei, ähneln tut der Name ja Down in Albion von den Babyshambles, ein bissl sonstige Ähnlichkeit kann man vielleicht auch raushören, wenn man fest daran glaubt. Gefallen tut mir Ninos musikalischer Gedankensprudel aber mehr. Schließlich mag ich nachdenkliche Lieder fast mehr als alle anderen, und hui, da kommt ja schon wieder eins (Mein erstes Gedicht). Der Sinn von Wir ziehen in den Krieg erschließt sich mir nicht so wirklich, daher machen wir gleich eine Zeitreise zu Down in Albern, wo sich Sir Tralala "aufspielt". Gefällt mir fast am besten vom ganzen Album.

Eigentlich mag ich ja keine Lied-für-Lied heruntergebeteten Kritiken. Trotzdem schreib ich sie immer wieder. Manchmal kann ich einfach nicht anders - manchmal mag ich kein Lied auslassen, weil ich sie alle irgendwie erwähnen mochte. Hier ist das der Fall. Aber trotzdem zwing ich mich jetzt dazu, etwas zu überspringen, und zwar bis zu Du Oasch. Ja, auch Die Lieder ist sicher ein solches, womit sich viele, viele Menschen identifizieren können, und Walzerlied gefällt mir gerade wegen dieses irrsinnig schönen Wiener Charmes so, den ich ja grundsätzlich vergöttere. Zumindest das gehört erwähnt.
Jedenfalls ist Du Oasch Ninos zweite Single, und die kenn ich ja tatsächlich schon! Es war ein Abend mit grindigstem Wetter, im Auto läuft FM4, und irgendwie fühle ich mich an die Österreicher der alten Schule erinnert - angsoffen und verraucht und irgendwie für nichts motiviert. Und das hat mir sehr gut gefallen! Weil man so etwas einfach nicht mehr oft hört und es auf eine ganz eigene Weise charmant ist. Schön. Ich mag Du Oasch und wünsche ihm, dass es in die Riege der österreichischen Klassiker eingeht. So wie ich es dem Nino aus Wien wünsche, dass ihn jeder kennt und jeder mag. Denn österreichische Musik sollte sowieso wieder einen anderen Stellenwert einnehmen - großteils hat sie es wirklich verdient.
Noch etwas: Dass dieses Album ohne irgendwelches "Glattbügeln" und großartiges Überarbeiten, noch dazu im Schnelldurchlauf aufgenommen worden ist, macht die Musik insofern noch etwas bemerkenswerter, weil es nicht leicht ist, im Stress zu arbeiten und vor allem sehr mutig, ein praktisch "unkorrigiertes" Werk zu veröffentlichen. Vor allem, weil das auch ganz, ganz anders klingen könnte.

Amnesiac

Mon, 09 Nov 2009 17:46:44 +0100

Hätte es zwischen OK Computer und Amnesiac kein Kid A gegeben, Radiohead wären für das, was sie auf und mit Amnesiac gemacht haben, gelyncht worden. Nach Kid A, "konnten sich Radiohead alles erlauben", urteilte Österreichs rund funkendes Feigenblatt FM4 kürzlich. Zwar oft als das "alleingelassene Schwesterchen von Kid A", auch als "Kid B" eher weniger schmeichelhaft tituliert, ist Amnesiac ein relativ eigenständiges Werk. Zweifellos eine Weiterführung des Weges, den Radiohead mit Kid A eingeschlagen haben, aber noch komplexer und widerspenstiger als selbiges. Dennoch stammen beide Alben aus ein und derselben Session, nur wurden zwei in sich stimmige Veröffentlichungen aus diesen zusammengestellt.
Thom Yorke über die Differenzen dieser Werke: "I think the artwork is the best way of explaining it. The artwork to Kid A was all in the distance. The fires were all going on the other side of the hill. With Amnesiac, you're actually in the forest while the fire's happening." Oder, um auf den ersten Satz dieser Rezension zurückzugreifen: hätten Radiohead das Feuer nicht angekündigt, wäre es ihnen wohl selbst zum Verhängnis geworden.
Aber so werfen die Kassandren aus Oxford knappe neun Monate nach dem ersten Album erwähnter Session vor die Meute und ernten wie immer überwältigende Begeisterung. Was Radiohead anfassen, wird Gold, möchte man meinen, aber das widerspräche deren Stil. Radiohead sind keine Männer des pompösen, überbordenden Glanzes, ihre Schiene ist die des Subtilen, Kryptischen und bisweilen unverblümt Antipathischen.
Eröffnet wird Amnesiac von "Packt Like Sardines in a Crushd Tin Box" und einer Portion Electronic-Spielerein, die sehr an Aphex Twin erinnern. Thom Yorkes Gesang positioniert sich im Hintergrund und ist teilweise eher lautmalerisch zu verstehen, aber phonetische Transparenz war noch nie die Absicht des Oxforders: "I'm a reasonable man, get off my case, get off my case."
Eine gänzlich andere Richtung schlägt da "Pyramid Song", der fixe Bestandteil jeder Radiohead-Show, bei dem Johnny Greenwood seine Gitarre im Stile der Isländer von Sigur Rós mit einem Geigenbogen streicht, ein. Ein Piano begleitet Thom Yorke durch seine ätherischen Vocals, ein Vers bleibt besonders im Gedächtnis hängen: "There was nothing to fear and nothing to doubt." Optimismus? Nein, eher Nihilismus und das ewige Thema Tod. Dantes La Divina Comedia und Hesses Siddharta sollen die Lyrics in besonderem Ausmaße beeinflusst haben.
In Form, nicht aber in Inhalt isoliert nimmt sich "Pulk/Pull Revolving Doors" aus, mehr ein elektronisches Experiment, möglicherweise aus einer der Sessions Thom Yorke vs. DJ Shadow, als ein Song im herkömmlichen Sinn, dessen Grenzen Radiohead aber immer schon auszuloten wussten. Türen - Doors - sind als inhaltliches Thema zu erkennen, formal erinnert "Pulk/Pull Revolving Doors" an Slam Poetry oder an das ironische, sokratische Element in Aphorismen und Kurzgeschichten. Eine Professur der Literaturwissenschaften wird Thom Yorke wohl schon mehrere Male angetragen worden sein...
Näher am klassischen Song-Format ist da schon wieder "You And Whose Army", bei dem Yorkes Stimme besonders am Anfang in den Fokus rückt, bis gegen Ende hin dann das restliche Instrumentarium der Band zum Einsatz kommt. Sehr schwer zu deuten sind abermals die Lyrics, die metaphorische und mystische Sprache eines Yorke ist nun einmal ein Teil dessen, was den Kult um Radiohead ausmacht.
Dem elektronisch angehauchten Grund-Konzept steht "I Might Be Wrong" entgegen welches sich gitarrenlastiger als alles andere auf Amnesiac gestaltet. Offenbar Grund genug, diesen Song auch gleich in den Werbespots für die Olympischen Winterspiele 2002 in Salt Lake City einzusetzen. Aber er war auch der erste Song von Amnesiac, der bereits auf der Kid A-Tour gespielt wurde, zum ersten Mal übrigens als Setcloser in Mailand.
"Knives Out" wurde für Radiohead zu einem Sisyphos-Werk, geschlagene 373 Tage brauchten sie, um diesen Song aufzunehmen. Sie waren schon knapp davor, ihn wegzuwerfen, was doch sehr schade gewesen wäre. Ed O'Brien spielte Johnny Marr, dem Gitarristen der Smiths, "Knives Out" vor, ein Song, der von den Smiths inspiriert wäre. Johnny Marr soll sehr gerührt gewesen sein. Thom Yorke über "Knives Out": "It's partly the idea of the businessman walking out on his wife and kids and never coming back. It's also the thousand yard stare when you look at someone close to you and you know they're gonna die. It's like a shadow over them, or the way they look straight through you. The shine goes out of their eyes."
Die Amnesiac-Version von Morning Bell, simpel "Amnesiac/Morning Bell" genannt, ist etwas harmonischer und sanfter geraten als die große Schwester von Kid A, beide ergänzen aber ideal den Gesamteindruck ihres jeweiligen Albums und gehören zu den bekanntesten und meist gespielten Songs der Alben Kid A und Amnesiac.
Zyklisch an- und abschwellende Streicher und Becken begleiten Thom Yorke auf "Dollars&Cents", einem Song, von dem oftmals behauptet wurde, dass er vom Kapitalismus und der monetär definierten Welt handle. Eine Behauptung, die sich leicht aufstellen lässt, geben Radiohead doch selten den wahren Sinn ihrer Werke Preis.
Bären jagen tut man nicht. Und wenn sie noch so frech den Imker reizen. Radioheads Einstellung zur Bärenjagd dürfte ähnlich sein, aus dem Song "Hunting Bears" geht das aber nicht eindeutig hervor. Es gibt nämlich keine Vocals. Nur verzerrte Gitarren und etwas Keyboard gibt es im Aufgebot. Ein komplett weirder Song, mit gut zwei Minuten aber zu kurz, um ihm eine größere Aufgabe im Werk "Amnesiac" zuzuschreiben. Eine kleine Spielerei, das wars.
Dass die Erde mit leichtem Drall durchs Universum gurkt, ist bekannt, ob der Planet Terra allerdings Pate für "Like Spinning Plates" ist, lässt sich nicht eruieren. Fakt ist aber, dass der Song auf dem älteren "I Will" basiert, allerdings rückwärts gespielt. Der Gesang ist natürlich chronologisch in richtiger Reihenfolge, weshalb sich auch Textphrasen ausmachen lassen: "When this just feels like spinning plates. I'm living in cloud cuckoo land.
And this just feels like spinning plates. Our bodies floating down the muddy river."
Atmosphärisch beginnt "Life in a Glasshouse", der letzte Song des Albums, bevor Thom Yorke, Piano und der Trompeter Humphrey Lyttelton den Song zu einer jazzigen Nummer ausgestalten.
Mit "Amnesiac" haben Radiohead ein weiteres Mal bewiesen, dass Musik kein Nebenbei-Konsum-Objekt ist. Musik im Radiohead'schen Sinne verlangt viel Zeit, sowohl der Produzenten als auch der Hörerschaft und die Toleranz, sich auf Neues einzulassen, auch wenn man seine vermeintliche Genre-Heimt längst gefunden zu haben glaubt. Während sich im Musikbusiness die Künstler etablieren, die alle zwei bis drei Jahre eine bestenfalls leicht adaptierte Neuauflage ihres Durchbruchalbums nachlegen, riskieren Radiohead mit jedem ihrer Alben, mit ihren unorthodoxen Releasepraktiken und ihrer leicht arrogant anmutenden Art den Verlust ihres Status. Mit jedem Album ein neues Experiment, jedesmal ein Neuanfang. Musik, wie es sie nicht oft gibt, aber Musik, die Jahrzehnte überdauern wird und mit jedem Mal Hören gewinnt.
Leichte Kost ist die Musik von der Oxforder Band nicht. Nick Hornby, der bekannte Schriftsteller, klassifizierte "Amnesiac" als viel zu herausfordernd für arbeitende Eltern, die abends auch noch ihren familiären Pflichten nachkommen müssten. Aber Kleingeister und solche, die es noch werden (wollen), sind auch nicht Zielgruppe von Radiohead. "The reason people are so into escaping is there's a fucking lot to escape from," behauptet Thom Yorke. "In a way, the last thing anyone needs is someone rubbing salt in the wounds, which is sort of what we're doing."

Liebe.

Sun, 10 Jan 2010 00:39:42 +0100

Liebe. Selten gab es einen Albentitel, der passender für das Benannte sprechen könnte. Denn die zwei Wiener von Tanz Baby!, Sänger David, Alleskönner und -schreiber Mu haben sich dem allgegenwärtigsten Thema gewidmet, das man sich überhaupt vorstellen kann. Und erinnern dabei stark an die ganz alte deutsche Schule, denn die Band auf der Bühne in einer verrauchten Bar Anfang des vergangenen Jahrhunderts ist das, was mein geistiges Auge mir beim Hören dieses Debüts zeigt. Das Auftreten von Sänger David mit Anzug, Rose im Knopfloch und gut geschmierter Frisur trägt dazu ebenso bei wie die schlicht "alt" wirkenden Texte, die man heute von kaum einer anderen heute bestehenden Band zu hören bekommt, ebenso wie das rollende R, das sich sonst auch nur Till Lindemann benutzen traut, wenn auch aus ganz anderen Gründen.

Andauernd verliebt gibt sich David, mit trauernden Trompeten im Hintergrund, traurig ist er auch, und das ist auch schon die simple Formel von Liebe., die einerseits gar nicht an oberflächliches verliebtes Geplänkel erinnert, andererseits aber eben von einer Naivität zeugt, wie sie nur die Gefühle erzeugen, von der er, zugegebenermaßen ziemlich monoton, singt. Das wird nach spätestens zwei Durchläufen anstrengend, wenn man ein anderes Tempo gewohnt ist - aber der Refrain von Alleinesein verzaubert mich trotzdem, weil er ganz einfach wunderschön ist. Auch Nur Du, lange Wochen FM4s favourite Lovesong, hat jeder gern im Ohr. Aber wenn man ganz ehrlich ist: irgendwann möchte man doch die Band wechseln, Liebeslieder gibts ja wirklich zum Wegwerfen viele. Die ganzen Facetten auf einer CD versammelt zu haben, ist interessant und fallweise praktisch, aber es hat schon seine Gründe, warum ich diese alte, kitschige Bar-Szene im Kopf habe - denn dort passt diese Musik wirklich gut hin, eben als Hintergrundmusik. Ein vollwertiges Konzert zu besuchen, kann ich mir ebenso schwer vorstellen. Als jemand, der die Liebe schon sein "Eigen" nennt, sofern das möglich ist, kommt stimmungsmäßig wohl nur Einsamkeit auf, und ob man sich als Single länger als eine Stunde so berieseln lassen möchte, ist auch fraglich.

Nichts ist wunderbar, weil alles bist nur du: die unerwiderten Gefühle sind schon eine Qual. Süß, bittersüß, tiefdüster. Alles das durchlebt man hier in guten 37 Minuten und fühlt sich sicherlich auch an alte (oder, Gott bewahre, aktuelle) Zeiten erinnert. Leiden kann man so sicher wunderbar, und beinahe jeder kann sich mit Davids kleinem, reinen Herzen identifizieren - aber ob man das gerade wirklich möchte, ist auch eine andere Frage.
"Wir haben noch gar nicht richtig angefangen", sagt Mu auf die Frage, ob das Thema nicht langsam ausgeschöpft ist - das lässt auf weitere Minuten voll Träumereien warten. Man darf gespannt sein, worauf man wartet: eine Fortsetzung im selben Stil, oder ob Tanz Baby! wirklich das Kunststück schaffen, sich neu zu erfinden.

Blackbox

Sun, 27 Dec 2009 14:49:42 +0100

The Who?

The What?

The Yeah!

Das sind fünf junge Österreicher, die sich 2006 gefunden haben, und im November 2009 ihr erstes Album, Blackbox, veröffentlicht haben. Schon das erste Lied, Auf der Strecke, animiert nach wenigen Sekunden zum Mitpfeifen, Mitsingen oder von mir aus auch durchaus zum Mitgröhlen. "Vielen Dank für's Gespräch, ich hätt' besser nicht drumherum reden können" - so sozialkritische Texte sind eine willkommene Abwechslung zu den üblichen "Ich lieb dich, du liebst mich nicht, ergo ist das Leben ziemlich scheiße."-Texten.

Unser Herr Bürgermeister, das nächste Lied, erinnert sowohl musikalisch wie auch textlich ein wenig an die neueren Ja, Panik-Lieder - englische und deutsche Textteile gemischt, dazu schwer-verständliche Zusammenhänge, und natürlich eine beeindruckende Melodie. Kein Wunder, dass das Lied des öfteren auf FM4 zu hören ist.

Bemerkenswert sind auch die nächsten Werke: Die Angst, Ein langsamer Tod und Was uns aufhält könnten allesamt ebenfalls durchaus als Single durchgehen - da passt einfach alles. Gerade Was uns aufhält zeigt wieder sozialkritischere Aspekte:
"Das ganze Leben, eine einzige Lüge - MTV, bunte Bettbezüge - kommerziell eine Katastrophe, persönlich ein Erfolg.".

Mit dem ruhigen Raus von hier ("Rock 'n' Roll wird niemals sterben!") beginnen die etwas langsameren Lieder des Albums:
Bei Ein Ende zu setzen schwankt man schon, ins Depressive zu verfallen: "So kann nur sterben, so kann man nicht leben!".

Interessant der Ansatz von Am Anfang war das Wort - ein Haufen Schlagwörter erzählen eine Geschichte: "Glauben, hoffen, Stillstand, Leere, Mauer, Wut und Trauer, Versuchung, versuchen, verfluchen! Ein ganzes Wörterbuch gegen unser Nein."

Fazit: Blackbox ist aus meiner Sicht, neben den neuen Alben von Kreisky und Ja, Panik, die beste Neuerscheinung 2009 in der österreichischen Indierock-Szene. Eine willkommene Abwechslung zu üblichen, großteils belanglosen Texten, einfach gut durchdacht und gut konzipiert. Das verdient 10 von 10 Punkten.

Black Air

Mon, 14 Sep 2009 10:43:07 +0200

Schreie, Pfiffe, Jubel - das ist das erste, was man auf Black Air, dem zweiten Album der Wiener Band A Life, A Song, A Cigarette hört. Ob sich hier die Band selber feiert, oder ob es eine Live-Aufnahme ist, bleibt weitgehend unklar, das Lied macht jedenfalls durchaus Lust auf das darauffolgende Album. So merkt man schon bei den ersten Lieder, dass sie einfach besser zusammenpassen als am ersten Album - durchdacht, interessant und einfach schön zum Anhören.

Der leicht depressive Unterton, der am ersten Album noch vorherrschte, ist nun etwas in der Versenkung verschwunden, etwas, das man vor allem bei Marie (siehe Video) hört. Das nächste Lied, Black Air, war namensgebend für das Album - die Zeilen "I want to be free... I want to be Black Air" geben einen ganz guten Eindruck davon, wie schön ruhige, besinnliche Musik sein kann.

Das Lied Simmering handelt überraschenderweise von keinem Wiener Gemeindebezirk - immerhin beginnt das Lied mit "She's a freak, she's a beauty" - viel mehr ist "Simmering" Englisch und bedeutet "fiebernd, kochend" - wieder was gelernt.

Fazit: Einfach ein Album, das man von oben nach unten durchhören sollte - ob es gefällt oder nicht, ist wohl Ansichtssache, jedenfalls ist es ein großer musikalischer Schritt nach vorne.

Wellen Der Angst

Sun, 20 Dec 2009 16:30:10 +0100

Nix schmeckt so grauslich wie a lauwarmes Bier, außer wir trinkens gemeinsam.
So beginnt Wellen der Angst, Album Nummer zwei der fünf FM4-Moderatoren Ostermayer, Zikmund, Pfster, Fuchs und Hebenstreit. Und Taximusik ist auch wirklich ein sehr schöner Start für den rum-, bier- und weingetränkten Nachfolger von Goodnight Vienna, auf dem sich wieder fünf Coverversionen englischsprachiger Lieder finden, auch wenn der Starttitel keine davon ist.

Dafür aber Hooligan der Herzen, original von Naked Lunch, deren Sänger Oliver Welter auch als zweite Stimme vertreten ist, und auch Scheene Leich, das ins Wienerische übersetzte Time To Pretend von MGMT. Übersetzungstechnisch gibts auch hier, wie überhaupt nirgends, kaum etwas zu bemängeln, schade sind nur die Geigen, die sich teilweise nichts trauen, teilweise schlecht abgemischt sind, teilweise beides, was schade ist, weil es dem Lied sehr viel an Power wegnimmt, die es eigentlich recht ordentlich verkörpern sollte. John Cales Dying On The Wine wiederum ist von Ostermayer sehr schön umgesetzt und wirkt, wie recht viele Lieder der Platte, sehr düster, was eigentlich recht gut passt, auch zum Albumtitel, denn Wellen der Angst finden sich hier überall.
Weniger ängstlich und depressiv als nachdenklich und hoffnungsvoll hört sich wiederum Krieg der Sterne an. "Rennt durt oben FM4? Herts ihr uns manchmal zu?" fragt sich hier Robert Zikmund, der hier eine wunderbare Nummer geschaffen hat. Das Album nur auf Urgestein Ostermayer zu beschränken, wäre auch unfair, zumal Pfister, Fuchs und Zikmund das Gros der Lieder übersetzt haben und Ostermayer sich auch beim Texten der Eigenkompositionen sehr zurückgehalten hat.
A Butterbrot vom Tod will David Pfister, der sich durch die Hölle wurschtelt und dem Knochenmarsch neben dem apokalyptischen Titel auch einen ebensolchen Touch verpasst, womit Titel Nummer 8 nicht der einzige ist, der die Welt untergehen sieht, denn der Tod ist ein recht wichtiges Thema auf Wellen der Angst.
Ein weiterer solcher Track ist zum Beispiel der darauf folgende, Schaun in die Sunn, original von TV On The Radio (Staring At The Sun) und mein persönlicher Lieblingstrack auf dem Album, der mir gar nicht mehr aus dem Kopf gehen will, weil er so wunderschön melancholisch ist.
Nicht apokalyptisch, sondern etwas makaber gestaltet sich Das Nesterl, der Refrain geht auf das Konto der Linzerin Erynnia.
Wellen der Angst, ursprünglich Waves of Fear von Großmeister Lou Reed (Taxidriver-Soundtrack), erinnert wieder an die Grundstimmung an der Bar unzähliger Wiener Beisl. So fassen die Fünf noch alles zusammen, was zur Angst gesagt werden muss, untermalt mit faszinierend-grauslichen Störgeräuschen und Insektengeflatter.

Es bleibt nicht viel zu sagen, nur so viel: Wellen der Angst ist ein großartiges Album, der alles, was man unter neu-österreichisch verstehen könnte, weil es von Ö3 als ebendas verkauft wird, in einen Schatten ordentlichen Ausmaßes stellt, und eine schöne Mischung von dem bietet, was man sich als neuer und alter Austropop vorstellen könnte. Hoffentlich auch weiterhin.

Rest Now Weary Head You Will Get Well Soon

Tue, 13 Oct 2009 19:09:12 +0200

Allzu oft kommt es nicht vor, dass eine Band schon vor dem Erscheinen eines regulären Debüt-Albums auf Auftritte am legendären englischen Glastonbury verweisen kann. Ohne die treffsicheren englischen Talentscouts wären Get Well Soon möglicherweise auch in ihrer geographischen Heimat Deutschland nicht entdeckt worden. Aber Heimat ist ja bekanntlich ein relativer Begriff und besonders auf Konstantin Gropper, den Mann hinter Get Well Soon, lassen sich gängige Klischees, die auf der Herkunft gründen, nicht anwenden. Konstantin Gropper ist nämlich ein Kosmopolit, einer der überall und doch wieder nirgends zuhause ist. Aus Oberschwaben floh er Anfang 20 nach Berlin, wo er mit den ersten professionellen Aufnahmen begann, Dublin, Frankreich und England sollten folgen.

Dass die Öffentlichkeit schon vor dem Album-Release auf Groppers Arbeiten aufmerksam wurde hat, neben erwähntem Glastonbury-Auftritt auch einen anderen Grund. Dieser liegt in der unglaublichen Perfektion, die er seinen Stücken angedeihen lässt. Jahre bevor dem endgültigen Release schon existierten Tracks wie You/Aurora/You/Seaside, doch erst Anfang 2008 erschien Rest Now Weary Head You Will Get Well Soon dann auf dem etablierten Indie-Label City Slang.

Die berufliche Ausbildung von Groppers Vater - Musiklehrer - und dass er somit vorwiegend mit klassischer Musik sozialisiert wurde, ist unüberhörbar. Zu perfekt sind die Arrangements, die mit einer Klangfarbe und einer Wucht daherkommen, dass es gewöhnlichen 0815-ein wenig Gitarre-ein wenig Gehopse-Bands die Schuhe ausziehen müsste, aber sich dennoch nicht in oberflächlichem Breitwand-Sound verlieren und mit epochaler, aber eindimensionaler Musik wie der eines Richard Wagner, nichts zu tun haben.

Der Eröffnungstrack - schlicht Prelude genannt- arbeitet mit getragenem, fast verschlepptem Glockenspiel, phasenweiser kompletter Stille und einem plötzlichen Crescendo. Der dazu gehörige Text rückt hierbei in den Hintergrund: exakt zehn mal wünscht Gropper gute Besserung auf angelsächsich: "Rest Now Weary Head, You Will Get Well Soon!" Im Hintergrund kann man dem Echo dieser Genesungswünsche lauschen, alles zusammen vermengt sich zu einem sehr hübschen Klangteppich.

You/Aurora/You/Seaside geht dann wieder mehr in Richtung des üblicheren Song-Formats. Allerdings nur hinsichtlich der groben Struktur. Denn der Teufel, in diesem Fall besser antonym gesagt "der heilige Konstantin", liegt im Detail. Trompeten und das ferne Rauschen eines Meeres mit kreischenden Möwen bilden hier die Klammer für die tiefgründigen Lyrics.

Auch hinter den vielleicht etwas flach anmutenden Lyrics von Christmas in Adventure Parks tun sich subtile Welten auf. Wieder ist der Song auch ungemein schön instrumentiert. Akustikgitarre und Glöckchen bauen das zum Titel passende Klanggerüst. Vokal drängen sich Vergleiche mit Größen wie Thom Yorke und Nick Cave auf, nicht unbedingt die schlechtesten Referenzen...

People Magazine Front Cover ist eine beinharte Abrechnung mit dem Human Interest-Journalismus, wie ihn seit 35 Jahren höchst erfolgreich das US-Magazin "People" betreibt, und mit zu einfachen Antworten auf komplexe Fragen: "People will pay for the answers, that we deliver. Why their neighbour's lawn's greener and the world's in a mess." Aber dem nicht genug, legt Gropper einem fiktiven Erzähler noch Böseres in den Mund: "And people won't know, that we've tricked them all. And that we still hide the truth. Under our bed. In our castle."

Konstantin Gropper passt nicht so recht in das populäre Berlin des 21. Jahrhunderts. Er gehört nicht den Massen an, die sich die Nächte in Electroclubs um die Ohren schlagen und Berlin zur heimlichen Welthauptstadt von Party, Hedonismus und Dekadenz erheben. (Die offizielle liegt immer noch auf den Balearen.)
Der Kosmopolit hat vielmehr ein Auge für das Wesentliche, aber auch für das Detail, ein Ohr für kräftige Melodien, als aber auch für endlose, sphärische Sounddschungel und vor allem: Herzblut. Was Gropper macht, hat Hand und Fuß. Der deutsche Fleiß und die allemannische Verlässlichkeit sind beide sprichwörtlich, aber als Klischees überholt. Ebenso veraltet ist das Vorurteil, Deutsche seien unkreativ und nicht in der Lage, an Höheres als Alltägliches zu denken. Diese Schablonen wurzeln vor allem in der Nachkriegszeit, die Gründe dafür kann man sich mit ein wenig historischen und psychologischem Allgemeinwissen selbst zusammenreimen. Seit Jahrzehnten gelten diese Denkmuster nichts mehr. Dennoch stecken diese offenbar noch in vielen Köpfen unserer großen Nachbarn, wenn man sich auf der Suche nach individuellen Kommentaren zu Get Well Soon's Debüt wühlt: "Lange nicht mehr solch ein Album von einem Deutschen gehört!", "Wow! Diese Platte ist völlig frei vom deutschen Mief." und "Das ist aber kein Deutscher, oder?"
Vielleicht gelingt Gropper mit seiner Platte das, was andere große Pop-Künstler "made in germany" offenbar nicht vollkommen überzeugend geschafft haben: Deutschland als popkulturelle Vorreiternation zu etablieren.

Aber auch für den klassischen Berliner hält Konstantin Gropper einen Leckerbissen bereit: eine Cover-Version von Born Slippy nuxx, im Original von den britischen Underworld, bekannt vor allem aus dem Kultfilm "Trainspotting." Charmant begründet er, warum er diesen Song unbedingt auf Rest Now Weary Head You Will Get Well Soon haben wollte: "Ich dachte ja, Born Slippy sei so was wie die Hymne meiner Generation, so wie Smells Like Teen Spirit für die davor war, darum wollte ich das unbedingt aufnehmen. Aber es hat sich heraus gestellt, dass es wohl doch nicht so viele Leute kennen. Auf gar keinen Fall wollte ich Underworld verkackeiern..."

Wer das Augenzwinkern bei Herrn Gropper übersieht, wird sich mit seiner Musik schwer tun. Auch wenn sie größtenteils schwermütig, speziell melancholisch und auch inhaltlich oft düster ist, will er seine Songs nicht als Weltuntergangssoundtrack verstanden wissen, sondern als "Zusammenhalt-Lieder". "Am Ende wird es schon gut ausgehen, auch wenn es jetzt gerade echt schwierig aussieht." Am Horizont sei doch schlussendlich immer ein Silberstreif zu sehen.

Und wenn Heilungsprozesse immer so erfrischend und nachhaltig verändernd wären, wie es der Genuss von Get Well Soon's erstem Album ist, steht einem längeren Aufenthalt meinerseits unter ärztlicher Aufsicht nichts im Wege. Oder um es mit Groppers Label City Slang zu sagen:
"Ein sehr schönes, ein sehr forsches Album von einem jungen Großtalent, an dem die Welt, wenn es nach uns geht, durchaus genesen darf."

The Virgin Suicides

Sun, 18 Oct 2009 10:29:53 +0200

2000 erschien The Virgin Suicides, das zweite Studioalbum von Air nach dem Durchbruch Moon Safari. Sofia Coppola engagierte das Duo nach ihrem ersten Achtungserfolg, um den Soundtrack zu ihrem Film (eben The Virgin Suicides von 1999) zu produzieren. Eine gute Entscheidung, nicht nur meiner Ansicht nach. Der Soundtrack wurde von den wichtigsten Medienvertretern hoch gelobt, was sicher nicht nur an dem eingängigen, wunderschönen Opener Playground Love liegt, der auch mir heute noch eine Gänsehaut verschafft.
Nein, Air haben ihre Aufgabe durchaus ernst genommen, und einen Soundtrack produziert, der sich wie eine zweite Haut an die einzelnen Szenen des Films anschmiegt und somit eine perfekte Stimmung schafft. Der Film selbst spielt in den 70er Jahren, die Musik dazu klingt aber modern, elektronisch mit klassischen, fremden Elementen, dennoch stimmt die Mischung. Der melancholische Grundton des Films wird durch das Werk von Air noch verstärkt, auch wenn das Album an sich gar nicht so traurig klingt - Gerade Bathroom Girl, die Untermalung zum ersten Suizidversuch des jüngsten Lisbon-Mädchens, klingt streckenweise sogar episch, siegestrunken, während das folgende Cemetary Party genau das hören lässt, was man erwartet.

Ich kannte das Album, bevor ich den Film gesehen habe, und auch wenn Sofia Coppolas Streifen, wie könnte es anders sein, durchaus empfehlenswert ist, ist es auch jedem ans Herz zu legen, sich The Virgin Suicides zuerst anzuhören, ohne den Film gesehen zu haben, um ihn losgelöst hören zu können. Außerdem passt er wunderbar als "eigener" Soundtrack, den man selbst im Hintergrund laufen lässt, um sich etwas musikalische Untermalung zu bieten. Gut geeignet insbesondere für graue (Regen-)Tage, an denen man solche Arbeit angeht, die schon lange auf dem Schreibtisch vor sich hinstaubt.

Wie schon erwähnt, enthält The Virgin Suicides nicht nur typische elektronische Elemente, sondern starke Einflüsse von Schlagzeug, Klavier, Akustik- und E-Gitarre. Außerdem eingearbeitet ist Audiomaterial aus dem Film selbst (The World 'Hurricane', Suicide Underground). Und auf Playground Love, hörbar im eingebundenen Video, verlieh Sänger Matt Stone von Phoenix seine Stimme zur Komplettierung eines wunderschönen Lieds. Und eine passendere hätte man wohl auch kaum finden können.

Power

Sat, 10 Oct 2009 14:32:42 +0200

Nach einer erfolgreichen Kollaboration mit dem englischen DJ Erol Alkan, sowie einer vorab EP, erschien nun dieser Tage das zweite Album von Boys Noize, mit dem Namen Power.

Der Anfangstrack Gax (mich persönlich erinnert der Track an das Eröffnungsthema der Serien „Es war einmal…“ von Udo Jürgens, klingt vielleicht krass, doch einige Gemeinsamkeiten sind auf jeden Fall vorhanden) versprüht zwar noch nicht viel Power (wie es der Albumtitel andeutet), doch wenigstens die Füße fangen sich schon einmal an zu bewegen. Dass das nur Schonfrist ist, sollte jedem klar sein, der Alex Ridha´s Debüt, OiOiOi, kennt.

Und auch schon der zweite Track ist voll dabei, dort wo OiOiOi aufgehört hatte. Kontact Me bietet verzerrte Voicecoderstimmen, gepaart mit knarzenden Synthesizern und einen hämmernden Beat. Nach dem Anfangsgeplänkel weiß man nun eindeutig, dass man eine Boys Noize Platte hört. Und sogleich ist man auch schon bei Track Nummer 3, Starter. Vorab des Albums als EP erschienen, weiß der aufmerksame Hörer was ihn erwartet. Feinste Synthesizerklänge auf die 12, die erst live ihre ganze Pracht entfalten. Darauf folgt Jeffer (meiner Meinung nach das Highlight der ganzen Platte), ebenfalls auf der vorab erschienen EP zu finden. Dass dieses Lied wie viele andere auf dieser Scheibe einfach nur zum Tanzen animiert, ist wohl klar, als bester Beweis dient das hinzugefügte Video.

Mit Transmission kommt dann wieder ein sich aufbäumender Track zum Vorschein. Eine düstere Klanglandschaft bietet den vielen verschiedenen Elementen Platz um sich zu entfalten. Das sich dahinziehende Klangbild erinnert ein wenig an Depeche Mode, und auch der zum Einsatz kommende Synthysample unterstützt dies. Bei Nerve werden dann die Klänge doch wieder knarzender und lassen in etwa die Richtung des Stücks erkennen. Zwar richtig „drauf gehaut“ wird in der Nummer nie, doch voran geht einiges, ein überaus ehrenwerter Lückenfüller. Dafür startet dann Trooper wieder voll durch. Wie ein Sturmtrupp bei einer Invasion stürmt er in des Hörers Ohr, mit viel Perkussion und wenig Kompromissen. Treibender Beat und fieser Synthys sind auch die Bestandteile des nächstens Tracks, Drummer.

Mit Sweet Light geht die Platte ins letzte Drittel, sehr eindrucksvoll wie ich finde, bis hinaus ins Weltall scheint dieser Track zu wollen. Er schafft es, fast. Rozz Box ist dann ein eher verwirrteres Stück auf dem Album, würde vom Stil her eher aufs erste, als auf dieses Album passen. Mit Nott bietet dann Power noch nochmals richtig power. Dicker Bass und verzerrter Sound – Boys Noize at its best! In den wohlverdienten Frieden entlässt uns dann ein Stück namens Heart Attack. Nämlich genauso unschuldig wie wir mit Gax in die Welt des Alex Ridha eingetreten waren.

Alles in allem ein wirklich gelungenes zweites Album. Streckenweise auch runder, als das Debüt.

In This Light And On This Evening

Wed, 07 Oct 2009 19:19:03 +0200

An End Has A Start - So lautete der Titel des letzten Editors-Albums. Und In This Light And On This Evening könnte der Anfang vom Ende der Editors sein. Die Befürchtung das Album werde kein großer Wurf wurde schon am Frequency-Festival im August wach, als ich zum ersten Mal die neuen Songs der Editors gehört habe, jetzt, da ich das Album in Händen halte, ist es leider traurige Gewissheit: Die neue Editors erreicht die Vorgänger nicht einmal annähernd. Es klingt nichts mehr nach den Editors, wie wir sie früher kannten, außer der markanten Stimme von Tom Smith, herausragende Tracks wie Munich oder Weight Of The World sucht man hier außerdem auch vergebens. Einzig Papillon schafft es, noch etwas vom Geiste der alten Platten einzufangen. Der Rest des Albums ist platter Synthiepop ohne große Innovationen oder musikalischer Rafinesse.

Der Wandel vom Post-Punk á la Joy Division und Interpol zu diesem düsteren Synthiepop im Stile von Depeche Mode hat ihnen definitiv nicht gut getan. Wenn man guten Synthiepop will, sollte man zu Some Great Reward oder zu Violator von den angesprochenen Depeche Mode greifen, die sind im Gegensatz zu dieser Platte großartig. Auf amazon. de wurden von manchen Rezensenten gar schon Vergleiche mit Radiohead angestellt, über deren Dummheit möchte ich mich jetzt nicht auslassen. Dieses Album hat mit einem Meileinstein der Musikgeschichte wie Kid A gar nichts gemein, außer vielleicht, dass hier ebenso ein radikaler Stilwechsel geschehen ist als vom OK Computer auf Kid A. Wie gerne hätte ich jetzt geschrieben wie großartig dieses Album denn nicht ist, doch ein Fauxpas wie In This Light And On This Evening ist nicht schön zu reden. Das einzige, was man als Editors-Fan jetzt noch machen kann, ist das vierte Album abzuwarten und zu hoffen, dass dieses ein einmaliger Ausrutscher war. Zu guter Letzt stellt sich mir nur noch eine Frage: Warum, liebe Editors, warum?

Etwas gutes hat dieses Album jedoch schon, mit den stupiden Vergleichen mit Interpol (Editors = Interpol für Arme usw) ist es nun endgültig vorbei. Das wars aber dann auch schon wieder. Trotz alledem freuen wir uns auf das Konzert am 26.11. im Gasometer, da dort auch zur Genüge alte Songs gespielt werden. See you there!